16-5-2012 El estudio de casos.

ESTUDIO DE CASOS

1.  LA OBSERVACIÓN EN CLASE. Un caso es un objeto de observación, de estudio. Hay dos tipos:

-          Intrínseco:: un caso que viene dado, no se busca generalizar sino concretar.
-          Instrumental: busca más una visón general.

Los temas son preguntas para orientar la observación. Los asertos son conclusiones que sacan los investigadores a partir de observaciones.

Dentro de los temas tenemos:

-          Preguntas temáticas; del propio caso.
-          Preguntas informativas; describen el caso.
-          Preguntas evaluativas; consideran lo correcto o incorrecto del caso.

Dentro de los estudios de casos se distingue entre:

-          Cuantitativos: estudios de datos, acotar, es desde un punto de vista objetivo y general.
-          Cualitativos:busca un camino más subjetivo, comparación entre diversos casos. No obtiene un resultado tan sólido.

  

2.      RECOGIDA DE DATOS

Empieza antes del estudio de datos. Se puede elaborar un plano impreso de datos para que sea más fácil. Y organizar el tiempo.

Se recogen datos mediante:
-          La observación ; cuantitativa o cualitativa.
-          La descripción del contexto.
-          La entrevista. Haciendo preguntas iguales para todos o adecuadas a la persona y contexto.
-          La revisión de documentos.
-          Análisis e interpretación: hay que dar importancia tanto a las primeras impresiones como al resultado final. Mediante la suma categórica o la suma de ejemplos.

Las generaciones naturalistas son las conclusiones a las que se llega desde una experiencia personal a un lenguaje formal. Porque puede ser que las personas sienten que ellas mismas han vivido alguna experiencia que se está estudiando. Es muy complicado transcribir el lenguaje de la experiencia al lenguaje formal.

Funciónes del investigador de casos:

-          Investigador de casos como profesor.

-          Investigador de casos como defensor.

-          Investigador de casos como evaluador

-          Investigador de casos como biógrafo.

-          Investigador de casos como intérprete.

3.      REDACCIÓN DEL INFORME

Encontrar la mejor historia que describa la situación, la investigación concreta, normalmente en beneficio del lector. Para ello puede ser necesario:

-          Organización temprana del informe
-          Los lectores.
-          Contar historias.
-          Los esbozos

 Para explicar un caso práctico donde se ha llevado a cabo el estudio de un caso, nos explicaron la investigación de Rober Stake “HARPER SCHOOL” sobre la reforma escolar en Chicago en la escuela Frances Harper School, que era una de las que más bajos resultados obtenía, y faltaba motivación en los alumnos.

-          Hizo un estudio del caso intrínseco abordando la investigación a través de observaciones y estudios en la escuela, para analizar sus problemas en particular, asistiendo a las clases y recopilando datos. Hace un estudio cualitativo del caso.

Problemas a los que se enfrenta la escuela:

-          Bajo rendimiento académico
-          Mala estructuración del consejo escolar.
-          Desánimo entre profesores.
-          Falta de padres involucrados.

 Reformas y objetivos de la escuela:

-          Reformar los consejos escolares.
-          Relaciones positivas entre profesor-padre-alumno.
-          Programas especiales o salidas para poner a los alumnos en contacto con la cultura de fuera.

Conclusiones de Robert Stake:

-          Soluciones sociales y reformas.
-          Incentivo y maor participación de padres en la escuela.
-          Mayor preocupación en enseñar a los niños en cómo comportarse en vez de centarse en la asistencia y calificaciones.

Opinion: 

Este último grupo explicó el tema bastante bien. Sobre todo la última parte, la de la investigación en el colegio fue la que me resultó más interesante. Era un contenido bastante denso. En mi opinión había demasiado texto condensado en el Power Point. Pero los chicos del grupo lo explicaron bien en general, con varios ejemplos de casos.

No dio tiempo al final a hacer lo último que tenían preparado. Exponer dos grupos en un solo día se hace un poco denso, y a ellos tampoco les ha dado tiempo a finalizarlo bien. Aunque ha sido por falta de tiempo.

16-5-2012 La suversión de la imagen

Durante la clase de hoy expusieron dos temas distintos; el primero “la suversión de la imagen” compuesto por José Luque, Eva y Mercedes. El segundo grupo habló sobre “la observación en clase”, su grupo lo formaban Carlos Rubio, Gema, Saúl y Ángeles.

Ambos utilizaron el formato de clase magistral, con ayuda de un Power Point.

1.      LA SUVERSIÓN DE LA IMAGEN

Se empezó a desarrollar el tema hablando de las imágenes y la compañía Walt Disney. Es la mayor compañía de medios de comunicación y entretenimiento. Desempeña una fuerza educativa en la conformación de la cultura popular norteamericana, pero ya se a difundido a nivel mundial.

El objetivo de la compañía Disney es convertir a los niños en modelos de consumo. Crear consumismo de masas.
No producen únicamente entretenimiento inocente u objetivo sino que están al corriente de lo que sucede en el mundo, y transmiten también valores (positivos y negativos) e ideologías políticas.
Por ejemplo el vídeo que hemos visto de Walt Disney sobre la ideología de los nacionalismos, del régimen Nazi. Me ha parecido increíble que hicieran esto para difundirlo. Porque exalta la ideología nazi, y los niños si ven esto, fácilmente se lo creen y lo ven como bueno, son muy influenciables y por eso la compañía juega con los niños porque son las personas más fáciles de manipular en la sociedad.
Disney se encarga del mantenimiento y la difusión de la “ideología dominante”. Sus películas están plagadas de estereotipos (características físicas y psicológicas que definen cómo debería ser un tipo de persona).

CONSTRUCCIÓN DE MUNDOS VISUALES QUE NOS RODEAN:

Lo que nos explicaron en este apartado estaba basado en el libro de María Acaso “estas no son las torres gemelas” , trata sobre lo que es realidad y la imagen como representación de la realidad. Y también del lenguaje visual.

Las personas nos comunicamos mediante información oral, textual o visual. La información visual la leemos y la consumismos (porque su finalidad es incitarnos al consumo)
Una imagen es un sistema de representación a través del lenguaje visual, configurado por su tamaño, formato, textura, composición, color… la retórica visual es la gramática que lo configura.
Nos iban mostrando típicas imágenes de estereotipos en los dibujos animados por ejemplo. Estas imágenes generan conocimiento, modifican nuestra forma de pensar y hace que nos posicionemos; con ello, o contra ello.
Identificamos las imágenes con la realidad por una idea colectiva social inculcada o por su parecido.
El mundo visual que nos rodea lo forman las imágenes informativas, comerciales y de entretenimiento, y artísticas.

La HIPERREALIDAD se construye a través de la cultura visual. Es la construcción mental individual de una realidad paralela a la generada a partir de imágenes de los mundos visuales y llega a tener gran poder sobre nosotros.

El hogar (la educación), la escuela (las ideas) y los medios de comunicación (los deseos) niegan la transcultura; es el cambio o negación de nuestra cultura por la ajena.
La cultura visual modela nuestra visión del mundo, es el conjunto de productos visuales que vemos a diario y quieren manejar la identidad del consumidor.

2.      LA TV ES TERRORISMO VISUAL

Los mundos visuales generan deseos (iconos visuales) que generan miedo (telediario y anuncios, terror desconocido, conformismo social. Y producen consumo (una lucho por conseguir cosas que en verdad no necesitamos.
El objetivo de la TV es impedir el desarrollo del conocimiento propio y sustituirlo importado: imágenes informativas.
Desconexión de uno mismo, de sus interés y preocupaciones generándole otras: imágenes  de entretenimiento.
Crear la necesidad de mostrar la identidad mediante distintivos materiales: imágenes comerciales.
 

GRAN RELATO, METARRELATO, METANARRATIVA, MACRORELATO

Macronarración: conjunto de relatos emitidos por los que ostentan el poder.

La metanarrativa visual son los macrorelatos a través de lenguaje visual. Y se construye a través de mensaje manifiesto (información explícita), mensaje latente (información implícita que no somos conscientes).

Producen la reducción de estereotipos mediante imágenes de mofa y exaltación.se oculta el autor. Son de fácil acceso.

 La micronarrativa visual: discurso que los grupos oprimidos por el poder formulan a través del lenguaje visual. El espectador sabe que es una representación.

Se construyen a partir del mensaje manifiesto. Intenta romper los estereotipos. Se reconoce al autor, son de difícil acceso, se formulan de forma reconocible.

MENTIRA VISUAL. ASESINATO VISUAL Y ATENTADO VISUAL.

Asesinato visual: hacer desaparecer un hecho a través de la ausencia explícita de imágenes sobre eso.
Atentado visual: crear un terror concreto a través de una imagen.
Los mercenarios visuales son los profesionales que construyen las bombas icónicas (fotógrafos de prensa, publicistas, fotógrafos de moda, productores, editores…)

3.       CALIFICACIÓN DE TERRORES VISUALES

Terrores del cuerpo, terrores de clase, terrores culturales (políticos, religiosos…)

 SUVERTIR es trastornar, resolver, destruir, especialmente en lo moral.

La forma de suversión más radical:
-          Transgrede a la propia naturaleza del ser humano.
-          Tiene una filosofía.
-          Lo hace de forma estética.

¿por qué nos atrae la imagen subersiva?
-          No hay belleza sin su lado oscuro, sin su reverso.
-          Morbo, curiosidad.
-          Cuanto más riesgo, más peligro, más interesante.

 Después hablaron sobre artistas que trabajan son la imagen subersiva. Por ejemplo David Cronenberg, Clive Barker, H.R.Giger, Charles Burns. Orlan.

Opinión:

La exposición de este grupo me gustó bastante, entedí todo lo que explicaron y se me hizo muy ameno. Es un tema muy de actualidad, por la manipulación que sufrimos mediante el lenguaje visual, es importante saberlo, y conocer que las imágenes son representación de la realidad y muchas veces intentan transformar nuestra identidad para el consumo. Me gustaría que nos hubiese dado tiempo a hacer todo lo que tenían preparado.

9-5-2012. ¿se puede evaluar el trabajo artístico? ¿qué evaluar?

Esta clase la dieron un grupo de compañeros: Esther, Chema, Charo, Sara y Alba. Fue una clase magistral que fueron explicando con ayuda de un Power point. Y después nos pusieron un ejemplo en el que teníamos que participar todos.

Explicaron QUÉ Y CÓMO EVALUAR EN EL TRABAJO ARTÍSTICO.

Hay diferentes tipos de evaluación:
-          Inicial: evalúa el nivel inicial que tienen los alumnos.
-          Formativa: evaluación continua.
-          Sumativa: acto de calificación al final de un período. Apto o no apto.

La enseñanza artística plantea problemas en el momento de la evaluación, porque no siempre es fácil establecer criterios objetivos.

Distingue entre:

-          La obra maestra: proyecto evaluado por un comité de expertos.
-          Sistema productivo: plantear objetivos, valorar resultados, analizar el proceso buscando fallos o aciertos para mejorar la producción.

Evaluación según los diferentes sectores:

Para el profesor los conceptos de evaluación y calificación suelen mezclarse. Algunos ven esto como algo que entorpece el sistema educativo.

Los alumnos suelen ver la evaluación como algo negativo. Estudian para aprobar los exámenes no para aprender.
Para la sociedad, los resultados de la evaluación reflejados en un sistema de calificaciones, se convierten en la expresión del éxito o del fracaso de los alumnos en el aprendizaje.

¿Qué significa evaluación desde el punto de vista educativo?

Para unos supone comparar objetivos y resultados. Otros lo consideran como un estudio combinado del trabajo en sí y de los valores.

ÁREAS DE EVALUACIÓN

Daniel Stuffelbea establece cuatro aspectos: el contexto, la aportación, el proceso y el producto.

1.       Área de contexto: se refiere a las características del alumno, del centro, de los profesores… las personas que van a intervenir en el desarrollo de ese currículo. ¿tiene el alumno aptitudes para la materia? ¿es competente el profesor?
2.       Área de la aportación: considerar las posibles actividades de aprendizaje que vamos a introducir en un contexto concreto. Analizar si el modo en que se van a realizar las actividades cumple con los objetivos y se adapta al contexto. Aquí se encuentran los contenidos que necesitamos introducir para conseguir el objetivo propuesto.
Este análisis nos permite evaluar diferentes modos de llevar a cabo los objetivos mediante actividades planteadas de diversa forma.
3.       Área del proceso: todo lo que ocurre mientras se está llevando a cabo la enseñanza. Evalúa los efectos que produce el currículo mientras se está empleando. Podríamos evaluar lo que el alumno está consiguiendo en su trabajo o lo que ha logrado en un espacio de tiempo corto. Constatamos la eficacia del programa mientras todavía se puede mejorar.
4.       Área del producto: se trata de evaluar el producto final, el resultado de la U.D mediante el análisis de la conducta del alumno. Medir hasta qué punto hemos conseguido lo programado.

EVALUACIÓN, CALIFICACIÓN Y EXAMEN NO SON LO MISMO.

La evaluación sirve para determinar un juicio final de un proceso, cuya superación o no condiciona generalmente el acceso a otro nivel.
Si hemos aceptado la evaluación continua, el examen, si se hace, se convierte en un instrumento más para obtener datos sobre lo que sabe el alumno. Hay muchas formas de recabar datos sin hacer examen.
El problema lo plantean las autoridades educativas, que aceptan esto pero también establecen como imprescindible la “calificación final”.
En educación obligatoria lo que se intenta es que el alumno llegue a conseguir su cota máxima. En cambio en estudios superiores se entra en un sistema de competencia, porque se trata ya de enseñanzas determinadas, para formar profesionales.
La evaluación trata de poner una nota numérica o un rótulo al resultado final conseguido por el alumno. Podríamos perfectamente hacer un informe que reflejase lo que el alumno ha conseguido y por qué, en lugar de poner una nota que dice muy poco.
La calificación, como los exámenes tradicionales, no pertenecen a la evaluación formativa sino a la sumativa.
La evaluación formativa trata de investigar el por qué de esas notas, la causa. La evaluación no necesita “calificar” sino “explicar”.

La evaluación va unida a la investigación:

La evaluación es un instrumento imprescindible para evaluar los éxitos o fracasos de la educación por eso va siempre unida a la investigación. Son los datos que recogemos de los alumnos, con los que se va ha hacer fiable los resultados de la investigación.

LÍNEAS DE ACTUACIÓN EN LA EVALUACIÓN

-          El alumno con respecto a sí mismo: ¿ha mejorado? ¿puede hacer más? Comparar sus trabajos desde el principio al final para ver su progreso.

-          El alumno  con respecto a la clase: es la más usada. También puede ser negativa. Colocar los trabajos en varios grupos; sb, not, ap, ss… puede ser que preocupados por incluir todos en un grupo, forcemos la situación.

-          El alumno con respecto a criterios de evaluación: se ajusta al planteamiento curricular, a la evaluación de los objetivos prefijados.

 

¿Cómo evaluar los trabajos resultantes de los objetivos expresivos?

Con los objetivos didácticos marcamos claramente lo que queremos que el alumno aprenda. En cambio los objetivos expresivos plantean conductas muy importantes porque contribuyen a conseguir resultados muy valiosos para la educación artística pero que son muy difíciles de objetivar. Hay que comprobar si el alumno ha aprendido lo que se pretendía y qué ha aprendido realizando esa actividad.

QUÉ EVALUAR

En los currículos de enseñanzas artísticas los ejes de actuación suelen estar en torno a “saber ver” y “saber hacer”. El profesor debe evaluar dos ámbitos:
En el ámbito productivo el alumno trata de crear formas visuales que tengan valor desde el punto de vista artístico. Podemos evaluar los aspectos formales de la obra; el uso de los materiales, el empleo de las técnicas…
Los aspectos técnicos condicionan la expresión.
No es fácil identificar los aspectos creativos de una obra.
En el ámbito crítico nos encontramos con los aspectos estéticos y expresivos de la obra.


opininión:
Me parece muy importante que las críticas y análisis de la obra en realización tienen que animar al alumno para continuar mejorándola; no deprimirlo hasta el punto que piense que no sirve para eso.

Este grupo hizo una buena presentación del tema. Aunque en mi opinión fueron demasiado deprisa en la explicación y sobre todo al pasar el Power point, porque no daba tiempo a leer todo lo que habían puesto (porque era un poco denso).

Al finalizar la explicación, nos mostraron dos imágenes; un cuadro de Antonio López y un cuadro de Francis Bacon. Debíamos elegir uno de los dos, el que más nos gustase y después situarnos en dos grupos; uno el que le gustaba un cuadro y al otro lado el que prefería el otro. Después debíamos hacer una evaluación, a aquel no nos gustaba tanto, para ser objetivos con algo que no forma parte de nuestros gustos, pero aún así tiene aspectos positivos que hay que valorar;  como si fuésemos profesores y ese cuadro fuese la obra terminada de un alumno. Yo elegí el cuadro de Antonio López que me gusta más; y por eso tuve que hacer una pequeña evaluación; decir alguna frase positiva sobre el cuadro de Bacon.

Este ejercicio me pareció simple y muy bueno para reflejar lo que habían explicado de forma práctica y ponernos en el lugar del profesor a la hora de valuar diversos trabajos; unos que le gustan y otros que no, pero no puede guiarse por sus gustos; debe ser objetivo.

Reflexión sobre los capítulos del libro

PARA QUÉ NOS HA SERVIDO PENSAR EN LOS CAPÍTULOS DEL LIBRO.

Hemos hecho una revisión de la educación, empezando a nivel general para llegar a la educación artística en etapas escolares y en la universidad.

Me ha hecho reflexionar sobre todo en las cualidades que tienen las personas, pero sobre todo me ha llevado a pensar en las cualidades de personas cercanas que conozco. Cuáles son las cualidades más importantes para un buen ciudadano y si yo como ciudadano las tengo.

También me he dado cuenta como son o que cualidades llevan a clase y transmiten los buenos profesores, cómo enseñan, y me ha servido para pensar a nivel personal qué tipo de profesor no me gustaría ser y cómo sí me gustaría enseñar cuando acabe la carrera y si me dedico a la enseñanza artística.

Al reflexionar sobre estos temas; por ejemplo la enseñanza artística en las distintas etapas desde la escuela al instituto y universidad, me doy cuenta que hay cosas que fallan; no todo está bien. Creo que desde el principio se tendría que fomentar más el arte, y no llevarlo a la manualidad y al recreo, como asignatura que no sirve y todo el mundo aprueba sin esforzarse. Debería tener la importancia que le corresponde.

Pensar en los capítulos del libro me ha hecho plantearme cosas, que si me dedico a la docencia me gustaría mejorar y otras cambiar. Y también hacerlo lo mejor posible dentro del aula, con las mejores cualidades y actitudes que tengamos para transmitirlas a los alumnos.

Revisón de la Ed. artística en la universidad

Los estudios de bellas artes que yo propongo a serían de una duración mínima de cinco años porque me parece que estudiamos campos muy diferentes entre sí, tratamos a la vez ramas distintas pero que en conjunto constituyen lo que es el arte (pintura, escultura, fotografía, dibujo, o historia del arte) por eso en menos tiempo creo que los alumnos no saldrían suficientemente bien preparados. Incluso añadiría un año más.
Historia de arte es una asignatura que considero de mucha importancia en esta carreara, la pondría como obligatoria en todos los cursos; donde tendríamos el tiempo suficiente para estudiar la historia del arte desde los comienzos hasta el arte contemporáneo.
En primer curso se estudiaría hasta el siglo XV.
En segundo curso se haría un repaso de lo estudiado en primero durante dos meses y el resto del curso se estudiaría del siglo XV al siglo XVII.

En tercer curso igual se haría un repaso del curso anterior y se estudiaría en profundidad el siglo XVII, XVIII y XIX.

En cuarto curso también se haría un repaso del curso anterior y se estudiaría el siglo XIX  y XX.

En quinto se estudiaría durante la mitad del curso arte contemporáneo del siglo XXI. Y durante la otra mitad se estudiaría a modo de repaso toda la historia del arte que se ha ido viendo desde primero.

También propondría como obligatorias asignaturas como estética, belleza, cultura clásica y mitológica y fotografía; al menos durante un curso entero.

Es verdad que en otras universidades sobre todo en otros países, esta carrera la llevan más a la especialización; y a partir de los primeros cursos ya se pueden especializar en pintura, escultura, fotografía, grabado etc. Estudiando a fondo estas ramas y abandonando las otras.

A mí me parece bien cómo está actualmente en este plan de estudios donde puedes elegir una especialización o no; hay asignaturas optativas pero optativas de cualquier rama, si alguien quiere sólo cursar asignaturas de una sola rama puede hacerlo pero también puede estudiar asignaturas diferentes de varias ramas. Esto me parece mejor porque es más importante conocer todas las ramas aunque no sea completamente en profundidad y se nos escapen cosas; pero al menos sabemos bastante de todo, que centrarnos solo en un campo y saber mucho de ese campo pero si salimos de ahí no sabemos más. Eso sería restringir bastante el estudio del arte. Porque el arte lo componen varios campos no uno solo.

Me parece importante que se estudie la educación artística como asignatura o también como especialidad ya que muchos estudiantes se dedicarán a la docencia artística cuando salgan.

Ya que Bellas artes tiene muchas salidas y no sabemos cuál de ellas elegiremos.
Las asignaturas de la carrera de BBAA deberían ser teórico- prácticas todas; es verdad que algunas como historia del arte sería del todo teórica; pero la mayoría deberían apoyarse primero en un desarrollo teórico y después en la práctica. Hay asignaturas o profesores que al ser una carrera evidentemente práctica, no le dan importancia a la carga teórica creyendo que eso se aprende sobre la marcha. Y yo en algunas asignaturas lo he echado de menos porque es la base del aprendizaje, y si desde un primer momento vamos con la práctica nos damos cuenta de que a lo mejor no sabemos hacerlo porque no tenemos unos conocimientos teóricos previos.

25-4-2012. Formas

La clase que dieron hoy un grupo de cuatro compañeros era sobre los tipos de formas y las funciones que tienen intrínsecas cada una.

Las formas en la naturaleza no son fortuitas; tampoco es el hombre quien ha creado las formas, sino todo lo contrario; se ha servido de ellas para la construcción y el avance humano.

Existen 8 formas básicas en la naturaleza:

-          Esfera, hexágono, ángulo, hélices, espirales, ondas, parábolas, fractales.

Y las propiedades de estas formas son:

-          Composición, estructura, forma, tamaño, función y necesidad.

1.       LA ESFERA.

La esfera protege. Es la forma que alberga la menor superficie. Es la forma isotrópica por excelencia. Simétrica y armoniosa; por eso es muy utilizado en el arte y en la joyería.
Por ejemplo los huevos tienen esta especie de forma esférica para tener consistencia, mantener mejor el calor, son más difíciles de morder por depredadores… sirve como forma de defensa a animales e insectos.

2.       EL HEXÁGONO

El hexágono pavimenta. Es la forma que tiene la naturaleza más precisa para construir ahorrando el máximo espacio posible y que tenga resistencia. Las superficies son regulares porque son dictadas por las leyes de la naturaleza.
Por ejemplo las construcciones hexagonales de insectos, o su propia visión por lentes hexagonales… son recursos que utiliza la naturaleza y luego el hombre las aplica a más cosas.

3.       EL ÁNGULO

Tiene la capacidad para cortar, retener fuerza, penetrar…
En el mundo animal el uso del ángulo es el más variado.
Xavier Corberó en arquitectura y escultura tiene piezas angulosas y cortantes.

      4.       LA HÉLICE
La función de la hélice es agarrar y también empaquetar.
Un ejemplo en el mundo inerte son los remolinos y huracanes.
En la naturaleza lo vemos en las semillas cuando caen a la tierra, forman un movimiento helicoidal porque planean y giran.
La estructura del ADN… las colas de los monos que se agarran a los árboles, el cable del teléfono que se empaqueta…
Los tornillos o sacacorchos cuya función es agarrar…
Un ejemplo de esta forma en el arte lo tenemos en la arquitectura del Parque Güell de Gaudí.

5.       LA ONDA.

La onda mueve. Transporta energía pero no necesariamente materia (por ejemplo las ondas de radio o de móvil no transportan materia) las ondas del mar o las serpientes se desplazan en ondas.
Según su oscilación y movimiento hay dos tipos de ondas: longitudinales y transversales.

6.       LA PARÁBOLA

La parábola tiene la capacidad de concentrar. No lo inventó el hombre, se encuentra en la naturaleza. Por ejemplo algunos animales tienen las orejas con forma parabólica para concentrar todos los sonidos.
O el chorro de agua de una manguera también describe esta forma… es muy empleado en elementos arquitectónicos decorativos.
La parábola tiene un foco y en cada punto de ella concentra la fuerza.

       7.       LA ESPIRAL
Es una forma de crecimiento recogido. Es una curva plana que da indefinidamente vueltas alrededor de un punto, alejándose cada vez más de él.
El hombre aprovecha la espiral como ornamental y simbólico.
Esta forma también empaqueta (papel higiénico, celo…)

8.       LOS FRACTALES

Es una figura plana o espacial cuya estructura básica, fragmentada o irregular, se repite a diferentes escalas. (Benoît Mandelbrot 1975)
Cada parte más íntimamente se parece al todo. Los árboles crecen de esta manera, intimando  (ellos son fractales por fuera y nosotros; nuestro riego sanguíneo, lo somos por dentro).
Es muy utilizado en el arte porque agrada mucho a la vista.
Teoría de las matemáticas fractales: las partes de las formas tienden a parecerse al todo.

Para concluir la explicación de estas formas hemos visto un vídeo: “la naturaleza fractal, geometría sagrada y números”. Me parecido muy bonito e interesante porque relaciona las matemáticas (proporción aúrea, sucesión de Fibonacci, teoremas…) con las formas que se dan en la naturaleza y también se aplican en el arte. Me parece increíble y siempre me ha sorprendido el crecimiento de las plantas. Con esa geometría.

Mientras explicaban todo esto, para hacerlo más dinámico han traído muchos ejemplos físicos donde veímamos estas formas y podíamos entenderlo mejor. Por ejemplo un brécol para formas fractales, una guitarra de juguete para explicar la expansión de la onda, hemos hecho un avión de papel para entender el ángulo que corta el aire, un vaso de agua con purpurina que removíamos con un palo para ver la forma helicoidal etc.

El examen que nos han hecho para evaluarnos, consistía en poner ejemplos que nosotros sepamos u observemos a nuestro alrededor de cada una de las formas explicadas.

El tema que ha expuesto este grupo me ha parecido muy interesante. He aprendido bastantes cosas con ello. Además siempre me ha interesado la relación de las formas geométricas y las matemáticas con la disposición de la naturaleza, porque es algo que el hombre no ha creado sino que es tan perfecto que lo toma como modelo. Es asombroso lo perfecta que es la naturaleza.

Mi opinión sobre la exposición del tema es que aunque han puesto muchos ejemplos representativos en clase, cosas físicas y han intentado hacerlo más dinámico; a mí me ha faltado ver más imágenes que explicasen eso en el Power point; muchas cosas que explicaban pordrían haberse visto en la pared, en imágenes, por ejemplo las aplicaciones de estas formas en el arte me parece que tendría que haber sido un punto para desarrollar y mostrar imágenes aunque sea brevemente, pero apenas se ha hablado de ello. También creo que ha faltado texto o algún esquema en el power point.

Este tema es muy interesante, pero en mi opinión se le podría haber sacado más partido.

Los compañeros del grupo lo han explicado bien y se han coordinado en la exposición.

18-4-2012. Qué imágenes importan

La clase de hoy era una clase-taller sobre qué imágenes son importantes, y dentro de esa imagen que elementos son los más importantes con los que entendemos el mensaje; porque los demás elementos son adjetivos, y si los eliminamos seguimos teniendo la idea principal de esa imagen.

1. Qué imagen importa
2. Cómo enseñar lo esencial en la imagen.

Parte 1:
Al principio algunas personas expusimos a los demás compañeros, tres imágenes que nos llevaríamos con nosotros si se acabase el mundo, hubiese una catástrofe, o estuviésemos en una isla desierta. Muchos llevaron fotos de cuando eran pequeños, muchos fotos de su familia, de momentos especiales y que recordaban…otros no se llevarían nada, o se llevarían elementos simbólicos etc. Yo llevé también una imagen de mis padres y mi hermana, y otra imagen de mis abuelos en la playa. No representaba ningún momento especial, solo me llevaría esas fotos para recordar cómo eran, sus caras, su expresión… porque no querría olvidar sus caras.
Después el taller consistía en imaginar que éramos personas prehistóricas. Y teníamos que dejar un mensaje a la persona con la que vivíamos para que ella supiese adonde nos habíamos ido, pero sin alfabeto ni palabras, en un lenguaje visual, con un dibujo esquemático.
Cada uno representó una cosa, había muchos tipos de dibujos, por ejemplo que estaban recolectando, estaban cazando mamuts, estaban mirando el cielo o pescando… yo representé que estaba haciendo pinturas rupestres en una cueva.
La explicación de esto es que nosotros en muchos otros trabajos que hacemos, somos capaces de elaborar imágenes muy complejas que a veces ni entendemos lo que puede significar; en cambio es muy difícil elaborar imágenes simples porque tendemos a meter muchos elementos en la representación, que son sólo más adjetivos y ornamentación y además entorpecen el entendimiento de la imagen al espectador. Una imagen debe tener lo mínimo y justo para poder entenderse, elementos que no sobre ni tampoco falten. Esto es mucho más difícil.

  Parte 2:
Nos reunimos en grupos de 4 o 5 personas para dialogar y pensar la manera en que esto se puede valorar para la enseñanza artística. ¿cómo podemos llevar esto al aula y enseñarlo a los alumnos?

Esto se llevaría a un aula de bachillerato. En nuestro grupo estuvimos pensando mucho y creamos una clase taller dividida también en dos partes. Para enseñar qué es lo esencial de una imagen pensamos en coger un cuadro famoso, o una imagen artística complicada donde hubiese varias focos de atención, que la imagen contase entre la historia o acción más importante, otras historias (por ejemplo la Bacanal o Baco y Ariadna de Tiziano.
Y a partir de ahí explicasen los alumnos el cuadro, lo que han visto, lo que creen que significa; todo. Mediante un dibujo y un título que pusiesen al dibujo que expresase con palabras el cuadro; sin saber su título original (este probablemente sería largo porque en el título querrían contar también parte del cuadro; y el dibujo sería bastante confuso y complejo; no se entendería ni se identificaría con el original).
Después con ayuda de la profesora se quitaría información no estrictamente necesaria al cuadro, elementos que sin ellos no se dificultaría su entendimiento. Una vez que los alumnos comprendiesen esto y lo hubiésemos simplificado a la mínima expresión entendible, ellos volverían a dibujar el cuadro; ahora este dibujo cambiaría mucho porque serían dibujos más fáciles y simples pero que probablemente al verlos se entendiesen mejor. Y a ese dibujo pondrían otro título: aquello que simbolizase.
La segunda parte consiste en enseñarles qué imagen importa.
 Llevaríamos al aula dos tipos de obras artísticas: una que fuese una instalación o algo artístico con lo que pudiesen experimentar y tener una experiencia real de ello, que puedan percibir por distintos sentidos.
Otra obra consistiría en pegar en la pared imágenes artísticas planas, o fotografías de paisajes u objetos… pero que seguramente la mayoría de ellos no conocen ni han visto nunca y no tiene experiencia de ello. Serían fotografías como concepto no como experiencia sensitiva.
Después de probar con una parte y con la otra; abriríamos un debate donde los alumnos explicarían qué imagen u obra es para ellos más importante; por qué, cuál les llega personalmente más. Normalmente la mayoría de ellos hablarían sobre la instalación u obra que han podido experimentar a través de los sentidos porque lo han vivido y han tenido una experiencia con ello. Aunque es probable que la imágenes de la pared también les puedan llegar porque las relacionen con algún recuerdo o momento vivido (por ejemplo un lugar, un viaje, una persona especial…) y cuando recordamos algo que tenemos experiencia de ello, lo conocemos y hemos vivido es cuando lo consideramos importante.
Por eso las imágenes importantes no son los grandes misterios de la humanidad, ni cosas muy complejas y enrevesadas; son imágenes que se relacionan con nuestra persona, por eso para cada uno puede ser importante una imagen distinta.
Después los tres grupos expusimos a los demás las ideas de los talleres que llevaríamos a cabo y las conclusiones que hemos sacado con esta clase.

A mí me parce una clase muy útil porque he aprendido que para elaborar una imagen lo principal es lo que debe estar, y no muchos más elementos que sirven de adorno y son adjetivos; porque yo tiendo a abarrotar un poco las cosas porque creo que así se entienden más y es todo lo contrario, entorpece el significado.

11-4-2012. ¿qué podemos hacer en el aula? estrategias y criterios

La clase de hoy fue impartida por un grupo de tres compañeros. Fue una clase tipo magistral y con ayuda de un power point. Tabién realizaron varias dinámicas para explicar mediante ejemplos prácticos la teoría de la que estaban hablando.

Para introducir el tema, nos repartieron hojas tamaño A3 y carboncillos. Teníamos que dibujar a María Jesús que posó como modelo durante 15 minutos en la postura que se había puesto. Mientras ellos observaban cómo lo hacíamos. Después lo recogieron y tras introducir el tema explicaron que ese ejercicio servía para darnos cuenta de las personas que parten de lo fácil, en el dibujo, para profundizar e ir hacia lo difícil, eran los dibujos comenzados por medias de proporciones, de encaje, de contorno, planos… para después pasar a la mancha o a los detalles(esto se relaciona con el hemisferio izquierdo del cerebro que es más analítico y sintético).
Y personas que partiendo desde lo difícil; es decir, abordando el dibujo desde su totalidad, lo van realizando (esto se relacionaba con el hemisferio derecho del cerebro que se encarga de la parte creativa y expresiva) eran dibujos empezados desde la mancha proporciones y detalle, todo a la vez.

Explicación teórica:
En el aula el eterno problema es que dejamos de teorizar para pasar a la acción y el miedo a equivocarnos hace que dudemos.
Siempre se pueden seguir posibles estrategias metodológicas y líneas de actuación. Pero no hay un criterio mejor que otro.
Estrategias metodológicas:
- Partir de lo fácil a lo difícil/partir de la totalidad
a. El que parte de lo fácil a lo difícil, de formas sencillas hasta llegar a las más complejas, que sigue paso a paso diferentes niveles (línea, plano, estructura, sombreado, composición…)
b. La otra manera es más compleja y menos común. Se enfrenta desde el principio a la totalidad del problema (encajado, mancha, composición… todo a la vez)
Estas dos maneras de “ver” son los hemisferios del cerebro. El hemisferio izquierdo (a) y el hemisferio derecho (b). aunque el cerebro es un total de ambas.
La enseñanza general del alumno desde su infancia tiende a desarrollar el hemisferio izquierdo.
Debemos enseñar al alumno a conocer, diferenciar y utilizar ambas formas de expresión de manera equilibrada.

Introducir conceptos partiendo de experiencias prácticas.
Lo que se aprende desde la experiencia no se olvida. Porque queda fuertemente fijado con la mielina de nuestras neuronas, mientras que otros conceptos que sólo oímos o vemos necesitamos afianzarlo en la memoria mediante la repetición sistemática.
El trabajo realizado por el alumno nos permite introducir conceptos desde la experiencia práctica y no sólo como la lección de aquel día.

Explicaciones generales cortas, profundizar individualmente de forma personalizada.
Es preferible realizar explicaciones generales muy cortas, sobre contenidos mínimos, generalmente de unos diez minutos aproximadamente y en cambio, profundizar con cada alumno desde las necesidades personales e individuales que presente, facilitándole los referentes necesarios para que construya aprendizajes significativos y vaya integrando los conocimientos que recibe, no como una acumulación de datos, sino como “verdadero conocimiento”.

No pedir lo que no son capaces de hacer.
Pero tampoco les dejemos hacer menos de lo que son capaces de conseguir.
Porque un nivel de exigencia es la base que hace posible su maduración personal.

Enseñar a transcribir al lenguaje artístico
Se trata de aprender a ver e imaginar formas plásticas y luego transcribirlas. Es como aprender a transcribir a ese lenguaje de formas lo que vemos y sentimos. Tenemos que pensar en ese idioma.

Proporcionar al alumno el máximo de referencias sobre las obras ya realizadas por artistas.
No para que las copien sino para que extraigan aquellas enseñanzas que pueden integrar en su propia obra. Nunca para imitar sino para tener referencias.

Ambiente y distribución en el aula.
- Ambiente físico: aula limpia y ordenada. Aula provista de materiales. Aula con buena iluminación. Que estimulen a trabajar, no desanimen.
- Ambiente psicológico: un ambiente favorable para la comunicación.

EL PROFESOR
Debe respetar las diversas personalidades, opiniones y creatividad distinta a la habitual.
Las relaciones profesor-alumno deben ser empleadas en beneficio del alumno.
El profesor además de saber de su materia debe estar muy bien preparado en todos los aspectos.
Debe conseguir que el alumno adquiera hábitos de trabajo sin imponerse sobre él.

LÍNEAS DE ACTUACIÓN
Desde el punto de vista metodológico conviene ir combinando en la programación 3 tipos de actividades diferentes:
- Actividades encaminadas a adquirir aprendizajes instrumentales.
- Actividades encaminadas a adquirir experiencias vivenciales.
- Actividades que permitan trabajos de libre creación.

Aprendizajes instrumentales:
Son aquellos aprendizajes encaminados a adquirir conocimientos básicos necesarios para poder comprender y utilizar el idioma plástico.
Los alumnos necesitan una serie de conocimientos tanto de tipo conceptual como de procedimiento o actitud para comprender las grandes obras artísticas y para expresarse visual y plásticamente.
- Conocimiento del uso de los materiales.
Otro conocimiento básico es aquel necesario para comprender las formas visuales y plásticas. Distribuidos de esta manera:
- Elementos morfológicos básicos de la imagen.
- Elementos básicos de composición.
- Conceptos y teorías sobre imagen y comunicación.
- Conceptos artísticos. Principales movimientos artísticos.

Potenciar experiencias vivenciales.
En el lenguaje visual, no podemos representar nada de lo que no tenemos conocimiento activo. La labor del profesor en el aula será transformar ese conocimiento pasivo en activo.
Realizando la experiencia de forma real. Mediante bocetos. O simplemente pensando, haciendo preguntas, dándole forma en nuestro cerebro.

Trabajos de creación.
El cerebro es capaz de obtener estructuras nuevas a partir de las informaciones almacenadas a lo largo de la vida.
El proceso de creación tiene gran importancia en la maduración del individuo.
La creatividad es la capacidad para solucionar problemas y no es cualidad exclusiva de la educación artística, sino que se aplica a cualquier ámbito.
Podemos hablar de creatividad sin hablar de arte pero es imposible hablar de arte sin creatividad.
Uno de esos recursos para desarrollar la creatividad es establecer asociaciones.
A.Moles. Demostró que las asociaciones obedecen a una verdadera lógica, y estableció una lista de mecanismos mentales que pueden entrar en juego cuando asociamos ideas.
Otra técnica es la tormenta de ideas.
Una lista de propuesta de acción.
- Combinar
- Invertir
- Incrementar
- Adaptar
- Reducir
- Sustituir
- Cambiar de punto de vista
- Reordenar
- Utilizar de manera distinta

Cuando les planteamos actividades en las que tienes que crear, es cuando estamos poniendo en juego sus potencialidades:
Sentir tanto la realidad externa como la realidad interna.
Percibir. Es necesario ser consciente de lo que se siente.
Retener mentalmente las imágenes necesarias
Elaborar imágenes mentales que tengan forma, color textura…

Criterios para decidir el tipo de enseñanza
El nivel de competencia de los alumnos.
El nivel de concreción de los objetivos educativos.

Nivel de competencia de los alumnos
En el aula podemos dejar que los alumnos actúen con mucha libertad o condicionar su actuación diciendo qué tienen que hacer, cómo y de qué manera. Especificando todo, no queda oportunidad para trabajar creativamente, pero podemos cambiar esto:
- Dejando que elijan material y técnica o viceversa dejando que elijan un tema partiendo de una técnica establecida.
Cuanto más creativos son los alumnos, más libertad de acción les podemos dar.
Por tantos, podemos decir que no siempre es “mejor” para el alumno la situación más libre, sino aquella que se adapte a sus posibilidades, de acuerdo con los objetivos de la programación.

Nivel de concreción de los objetivos didácticos.
Necesidad de que utilicen el dibujo como el lenguaje verbal.
Que nuestros alumnos posean un vocabulario (conceptos básicos de la materia)
Necesidad de que conozcan un mínimo de instrumentalidades propias de la materia.
Hacerles conscientes de que el pensamiento artístico existe y el arte también.

Otra dinámica propuesta consistía en que un alumbo, en este caso Victor, se ofrecía de voluntario para exponer una obra suya o trabajo, y otro compañero, Alvaro, hacía de profesor y tenía que evaluar el trabajo de Victor y su forma de presentarlo. Después hemos visto todos sus cuadernos de dibujos porque los han pasado por la clase.
Para finalizar han hecho un examen tipo test de 10 preguntas. Me ha parecido muy correcto y acertado porque contenía preguntas y respuestas largas y con un nivel de dificultad adecuado; no era excesivamente difícil pero mantenía ese nivel de dificultad adecuado. Estaba en mi opinión muy bien hecho.
El tema que ha tratado este grupo me ha parecido interesante y he aprendido bastante. Lo llevaban preparado y sobre todo a la hora de explicarlo lo han hecho bien y con soltura.

28-3-2012. revisión de la educación artística en etapas

¿qué se debe enseñar en cuanto a educación artística en las distintas etapas antes de llegar a la Universidad?

Los objetivos más importante que tienen que alcanzar los alumnos es que sepan ver (analizar una imagen), sepan hacer, sepan contextualizar en la historia del arte, sepan criticar y distinguir, sepan aprender a aprender.
¿qué habría que enseñar a un niño a nivel artístico en las etapas del colegio e instituto?

Infantil:
Dibujos, garabatos, modelado de monigotes con plastilina, arcilla, pinturas, lápices, rotuladores, trabajos manuales adaptados a su edad… pienso que en esta etapa se debería acercar al niño a multitud de materiales propios para el dibujo, la pintura y la escultura infantil, adecuados a su edad para que no tengan peligro. A estas edades me parece que lo más importante es desarrollar habilidades manuales para coger destreza en los dedos y manos según las características de cada material y la plasticidad que puede portar.
Como en esta etapa se aprenden números, formas, colores, formas del cuerpo humano… sería imprescindible servirse de dibujos con materiales de todos los colores para que lo plasmen en sus dibujos. Desarrollan su capacidad artística mediante dibujos de su imaginación ( ellos dibujan paisajes, a su familia, o a ellos mismos…) de manera natural porque es con lo que conviven día a día.

Primaria:
La asignatura de plástica en primaria es la que más les gusta a los niños porque es la más fácil, la toman como recreo, porque creen que no es importante y no sirve para nada. Esto no debería ser así. Los profesores deberían de darle más valor y trasmitirlo al alumno, explicarle a los niños para que sirve lo que están haciendo.
En esta etapa creo que se puede acercar a los niños al mundo del arte; de la historia del arte mediante historias infantiles sobre diversos artistas, realizar trabajos basados en obras maestras del arte… porque después cuando vean un cuadro se acordarán de su nombre y del artista que lo pintó ya que hicieron trabajos sobre eso. Me parece esencial realizar salidas extraescolares a museos tanto de arte contemporáneo como arte anterior. Un recorrido guiado por un especialista que entienda porque sino les explican los cuadros ellos no prestarán atención y no se enterarán de nada.
También es importante seguir desarrollando la habilidad manual y plástica con trabajos manuales (cortar papeles, pegar, doblar, colorearlos…) enseñarles que sus dibujos y pinturas no tienen porqué ser siempre de su imaginación como hacían antes. Pueden basarse en un modelo real, un objeto que tengan delante etc para desarrollar la relación vista- cerebro-mano, y a la vez su lado derecho del cerebro. Es muy importante trabajar con muchos tipos de materiales no solo pinturas y rotuladores como se suele hacer en los colegios, trabajar con témpera, acuarela, pastel, grafito,hilos, lana, arcilla, plastilina, plástico, cartones… para que experimentes las capacidades de cada uno. Así iniciarlos también en la creación de formas tridimensionales con estos materiales.
Clases realizadas a modo de talleres artísticos; con debates, críticas constructivas y diálogo y comunicación entre alumnos y también entre profesor-alumno.

Secundaria
En esta etapa debería estudiarse historia del arte como una asignatura más. Para que puedan unirla y relacionarla a su evolución artística personal.
Como es una etapa donde las personas abandonan la práctica artística debería seguir fomentándose con salidas a museos, exposiciones, talleres o galerías para acercarlos a la vida artística más en directo y no tanto a través de libros de texto que les aburren.
Además es el período donde menos en cuenta se tiene la asignatura de educación Plastica y visual porque adquieren mucha más importancia las demás. Dejando a esta como un pasatiempo o juego donde los niños no se esfuerza porque siempre lo aprueban con cualquier cosa que hagan; el profesor debería darle más valor e inculcarlo en los alumnos; explicarles para qué les va a servir cada trabajo que estén haciendo.
Diseños y realización de maquetas y formas volumétricas para desarrollar una visión tridimensional.
Como anteriormente ya han experimentado y conocido bastantes tipos de materiales y técnicas; ahora lo principal sería aplicarlos dependiendo de los resultados que aporte la técnica; con un objetivo u otro.
Otro punto importante en la educación artística de secundaria sería copiar a los grandes maestros pero desde su perspectiva y expresión propia; por ejemplo en lienzos no muy grandes; con óleo o acrílico, acercándose más a las técnicas pictóricas de los artistas y dejando un poco las pinturas y rotuladores que siempre se han usado.
Es importante que además de copiar a los maestros; dibujen y pinten las formas del natural, o sino de foto, para desarrollar el nivel de realismo; además de otros ejercicios o trabajos manuales que también realicen de su propia imaginación para desarrollar su creatividad y expresión personal.

Bachillerato.
Yo no he cursado bachillerato artístico, por eso nose muy bien que se estudia y la forma de desarrollar los temas.
En esta etapa se abandona toda creación artística para el estudio más técnico; como es geometría; planos, sistemas de representación… estudiado en dibujo técnico; me parece esencial y muy importante esta asignatura como acercamiento más teórico y técnico al arte.
Estudiar sobre todo el arte contemporáneo ya que tiene capacidad intelectual desarrollada para poder comprenderlo; (porque durante otros cursos se ha estudiado más el arte antiguo y moderno). Realizar también visitas a museos o exposiciones de arte contemporáneo.
En un bachillerato de ciencias o humanidades me parece que tendría que ser obligatorio dos asignaturas: historia del arte en ambos cursos, y expresión plástica; que podría ser una asignatura nueva donde los alumnos creasen obra en distintos soportes ; lienzo, madera, papel… con pintura, dibujo o escultura a un nivel básico, pero más enfocado a un futuro estudio universitario de BBAA; aplicando lo que han aprendido en cursos anteriores y lo que aprendan en estos dos cursos de bachillerato. Para fomentar su creatividad, como método de expresión interior que les ayude en su vida diaria y no sólo se quede en un trabajo de clase que tienen que aprobar sino que tengan interés y les guste lo que hacen además para mejorar su autoestima. Y también acercarles de forma teórico-práctica al mundo del arte actual que a esta edad ya está olvidado.
Acercarles al uso de las nuevas tecnologías para la creación y el diseño de nuevas obras.
De esta forma cuando salgan del instituto e inicien o no sus estudios universitarios, muchos se plantearan seguir estudios de arte; y otros a lo mejor no, pero por lo menos seguirán en contacto con el mundo del arte ya que se tendrán un buen recuerdo de las asignaturas artísticas que tuvieron en bachillerato.

Mi revisión personal sobre la educación artística en las distintas etapas de una persona hasta que llega a la universidad sería desde un principio iniciarles en el conocimiento del arte. Darle todo el valor que tiene; mucho más del que le dan algunos profesores; valorar esta asignatura como una más igual de importante que el resto, donde además el niño adquiere un nivel de cultura importante porque se tocan muchos campos y técnicas distintas. Explicar al alumno para que sirve cada cosa que están haciendo para que ellos mismos también le den importancia.
No llevar a cabo en cada etapa cosas distintas sino enseñarles lo mimo pero aumentando en mayor cantidad de conocimientos y dificultad progresivamente (por ejemplo no estudiar historia del arte dos cursos en profundidad y abandonarlo sino estudiarlo poco a poco y progresivamente en todos los cursos porque es como verdaderamente se aprende y después no se olvida), o ir creando obras, o trabajos desde pequeños hasta que son adultos, adecuados a sus edad y conocimiento; no un curso sí y en otro ya abandonar la creación artística como por ejemplo se hace cuando se llega a bachillerato.
Yo propondría una enseñanza artística continua y progresiva en todas las etapas.
Una enseñanza teórico-práctica; no totalmente práctica como ocurre en la asignatura de plástica. Porque es importante que los alumnos sepan qué están haciendo y cómo se tiene que hacer para luego llevarlo a la práctica.
Intercalando salidas a instituciones artísticas para ver que el arte se da en nuestra vida, es real y no solo está en los libros.
Una evaluación donde se valora mucho el interés que muestra el alumno por conocer el arte y la implicación que tiene con sus trabajos y no tanto si realiza dibujos bonitos o sabe o no pintar.